一、与导演沟通：锚定创作核心，对齐美学方向

1. 提前做足 “功课式” 准备
   沟通前务必深度研读剧本，标记出角色的核心特质（如年龄、身份、性格、经历转折点）、故事的时代背景、导演强调的叙事重点（如某场戏需通过妆容传递角色情绪爆发）。同时，了解导演过往作品的视觉风格（比如是写实主义、荒诞派还是复古美学），避免提出与导演风格相悖的方案。
   例如：若导演过往作品偏爱 “克制的细节感”（如《人世间》的生活化妆容），沟通时就不宜提出过于夸张的妆容设计，而是聚焦 “用细微的肤色变化、眉形调整体现角色状态”。
2. 用 “视觉化语言” 替代抽象描述
   导演通常更擅长通过画面理解想法，沟通时尽量避免只用文字描述（如 “这个角色要‘沧桑’”），而是准备mood board（情绪板）：收集参考图片（如类似时代的真实人物照片、同类角色的经典妆容、符合角色气质的色彩 / 质感素材），标注出妆容的核心设计点（如 “颧骨处用哑光棕调打造凹陷感，体现长期劳作的疲惫”）。
   试妆后，及时拍摄不同角度的妆容照片 / 视频，附上台词场景说明，方便导演结合剧情细节提出修改意见。
3. 聚焦 “角色功能”，而非 “妆容技巧”
   导演更关注妆容是否能服务于叙事（如 “这场戏后角色心态转变，妆容如何体现？”），沟通时需主动将妆容设计与角色功能绑定。例如：与其说 “我想给她用渐变色口红”，不如说 “角色前期内向，用哑光裸色；后期突破自我，换用亮泽红调，配合剧情中她第一次主动表达的场景，强化情绪张力”。
4. 动态响应，灵活调整
   拍摄中场景、灯光、甚至剧情可能临时调整，需主动关注这些变化对妆容的影响。例如：若某场夜戏改用冷调灯光，原设计的暖调底妆可能显得 “气色过差”，应及时向导演反馈：“灯光偏冷，是否需要微调底妆色调，避免角色看起来过于憔悴？”—— 既体现专业性，也让导演感受到你对整体效果的关注。